AURA. Revista de Historia y Teoría del Arte

Andrea Giunta. Contra el canon: el arte contemporáneo en un mundo sin centro.

2023-11-07T11:38:16-03:00

Milena Bracciale, La Argentina como drama. El teatro de Mauricio Kartun en perspectiva

2023-11-07T11:42:23-03:00

El problema de la diferencia entre sujetos, objetos e imágenes en Homenaje a la obra de Philip Henry Gosse de Pablo Martín Weber

2023-03-28T10:56:17-03:00

El presente artículo aborda el cortometraje Homenaje a la obra de Philip Henry Gosse de Pablo Martín Weber. Nuestra hipótesis es que la película problematiza el proceso de digitalización del mundo en relación con tres campos: el de los objetos, el de los sujetos y el de las imágenes que median y conectan a los dos primeros. La obra deja entrever que las tecnologías digitales pretenden difuminar los límites entre esos campos hasta llegar a un ensimismamiento de los polos de los objetos y los sujetos en el de las imágenes. De esta forma, se toma como referencia teórica el “cosmomorfismo” cinematográfico propuesto por Adrian Ivakhiv, que distingue para el cine la producción de objetos, sujetos y la dimensión interperceptual, “animamórfica”, que los liga. Así, se ve en cada secuencia principal del cortometraje los temas centrales introducidos por el director tanto a nivel de las imágenes como de la narración en off , que incluyen los sistemas de escaneo en tres dimensiones, las imágenes de impronta científica y la bifurcación de la naturaleza, las construcciones fotográficas de las sondas marcianas, la teoría paleontológica y cosmológica del naturalista del siglo XIX nombrado en el título de la obra y su relación con la animación digital en el cine actual, las imágenes fotorrealistas de síntesis y las películas de guerra y su cercanía a los videojuegos.

El cinematógrafo en la revista Mundo Argentino entre 1911 y 1920

2023-04-20T16:46:01-03:00

Este trabajo estudia los escritos y el material fotográfico sobre cinematografía publicados por la revista nacional Mundo Argentino entre 1911 y 1920. Durante este periodo, se pueden establecer dos etapas. En la primera (1911-1917), publica noticias y crónicas anónimas de modo irregular sobre determinados aspectos de este nuevo arte e industria (producciones, estrenos, historia, avances tecnológicos, censura, moralidad, etc.) y fotogramas de films en una sección fija entre diciembre de 1913 y agosto de 1914. En mayo 1917, se destaca un artículo de Horacio Quiroga en el que el escritor uruguayo reflexiona sobre el estatus artístico del cine. En 1918 se produce un cambio en la política editorial y la cinematografía se torna omnipresente a partir de tres modalidades: retratos de actrices norteamericanas en las tapas y dos secciones fijas, una informativa y otra fotográfica.

Inmanencias

2022-12-06T11:48:28-03:00

Este artículo aborda la problemática transición de la teoría estética de lo sublime desde el período romántico al siglo XX y las vanguardias. A partir de la idea de “inmanencia”, analizo cómo lo sublime siguió operando en el arte y el pensamiento moderno y posmoderno como una reacción contra la belleza, potenciada principalmente por lo informe y la monstruosidad revelada tras Auschwitz y el totalitarismo del siglo pasado y la posterior instauración de una sentimiento de “tedio del mundo”. Algunos de los puntos clave sobre los que indaga este artículo son el predominio del espíritu romántico posterior al siglo XIX, la crítica anti-civilizatoria y cómo los diferentes postulados sobre la muerte del arte asumidos por los artistas de vanguardia fueron desencadenados por lo sublime.

El vera icon en su umbral discursivo

2022-11-24T12:57:02-03:00

En este trabajo analizamos algunas formulaciones significativas sobre las imágenes técnicas en sus orígenes, durante la primera mitad del siglo XIX. Situamos nuestro abordaje en una coyuntura cuyo punto de partida es el establecimiento de la patente de dominio público del daguerrotipo por parte del gobierno francés en 1839 y culmina con la presencia de esta práctica en el ámbito artístico, con su inclusión en el Salón Nacional de 1859. Efectuaremos el recorrido a través de la mirada de distintos autores como Arago, Janin, Talbot, Bede, Firth, Holmes, Figuier y Baudelaire, quienes nos permiten adentrarnos en la naturaleza fractal de las imágenes técnicas y relevar distintas conceptualizaciones referidas a la “luminosidad”, “exactitud” y “transparencia” del dispositivo. Nuestra conclusión es que el advenimiento del nuevo aparato si bien postuló una prescindencia del factor humano en su elaboración, la acción de fijación de imágenes lo involucró más allá del procedimiento, especialmente en la gestación de conceptos visuales.

Presentación dossier

2023-11-07T11:26:29-03:00

La mirada que se abre al cierre

2023-06-13T10:14:51-03:00

En este trabajo se analiza Beni, una de las tres novelas de Hebe Uhart reunidas en El amor es una cosa extraña (Adriana Hidalgo, 2021). La narradora observa sus espacios propios y se contamina con las miradas de terceros; pinta su mundo, lo describe e interpreta en una visualidad que registra las demandas de su madre, escruta su objeto amoroso e indaga en su propia interioridad, a la vez que surge la zozobra entre el deseo del cuerpo y las formas propias de la intimidad cuando mirada y pensamiento se posan sobre lo que no cierra. Para esto, Uhart muestra usos de la écfrasis que lejos de situar la mirada en un punto fijo y ver desde ningún lugar, se proponen como una visión encarnada en un cuerpo atento a dialogar con el lugar y el tiempo que habita. Así, voz y mirada se entretejen con zozobra, contingencia y extrañeza y figuran una paradoja propia de lo amoroso.

Trazos indóciles

2023-05-31T10:54:53-03:00

El presente artículo busca describir el gesto singular de dos artistas contemporáneos que trabajan el problema de la copia y la falsificación. Por un lado, el conjunto de ejercicios caligráficos titulado Trabajos prácticos (2021) de Leticia Obeid, montado en el Museo Nacional del Grabado para la muestra “Transformaciones. La Gráfica en desborde” (2021). Por otro, la propuesta de Fabio Kacero titulada Firmas (2016) exhibida en la galería porteña Ruth Benzacar como “El campeón de los fantasmas”, donde el artista recoge casi doscientas firmas personales. Esta lectura sugiere como hipótesis que el lazo que funcionaba para certificar la autenticidad de una obra original ha sido despojado de su valor legal (que actualmente recae sobre otra cantidad de herramientas jurídicas), y en consecuencia, el lugar de la firma en artes ha sido desplazado. En efecto, en estas propuestas, el ejercicio de repetición responde a la necesidad de hallar la función actual de esos trazos para el campo de las artes. En ese sentido, la hipótesis indica que la copia, la reproducción, o incluso, la invención del dibujo de una firma se enlaza en la producción de una autoría, a la cual nos referiremos en los términos de Reinaldo Laddaga (2010) como “formas de autoría compleja”. Con ello, la acción plástica y visual de los trabajos citados se aleja de una posición enunciativa individualizante, para conectar, en cambio, una red o laboratorio colectivo de procesos.

Lo lúdico y las producciones de inmediatez

2023-05-11T11:02:32-03:00

Este trabajo propone una lectura de dos producciones audiovisuales, la serie documental Foto Bonaudi (Tarrío, 2006) y la película Una canción coreana (Tarrío y Tujsnaider, 2014), a partir de una mirada sobre la intermedialidad en las artes. Se hará foco en la práctica artística de Gustavo Tarrío, mayormente dedicada a lo que conocemos como teatro, pero que siempre transita una zona de bordes indefinidos a partir de lo lúdico y las producciones de inmediatez. La perspectiva teórica desde la cual nos enfocaremos para hacerlo será la del campo de los estudios intermediales (Rajewsky, Méchoulan y Prieto) que nos permitirá hacer foco en las relaciones que establecen los casos seleccionados, tanto con otras prácticas artísticas como con los modos de trabajo de Tarrío en su quehacer como director teatral.

Hace muchos baños

2023-09-14T11:32:48-03:00

Este trabajo está enmarcado en una investigación más general acerca del cartel como dispositivo estético-político. En una definición ampliada, los carteles son agenciamientos entre enunciados y visibilidades más allá y más acá de su objetivación en soportes usuales como pancartas o afiches. En los carteles aparece lo que puede ver y decir una época. Esas capturas mutuas entre lo visible y lo enunciable forman un archivo que es fundamentalmente audiovisual. Una parte de este corpus o archivo de carteles ocurre en los baños. Los baños ponen en juego disputas sobre las cuales se anudan ciertos problemas entre lo público y privado, lo masculino y femenino, el afuera y adentro, lo virtual y analógico, lo anónimo y propio, entre otras divisiones, que permiten pensar la disconformidad entre enunciados y visibilidades, o lo que es lo mismo, la relación conflictiva entre arte y política que atraviesa al activismo artístico. Aquello que une las siguientes escenas no es una sucesión sino un tema, que son los baños públicos, y el ensayo sobre algunas de sus posibles variaciones o dispersión de hecho.

La aventura de la preparación

2023-12-07T11:29:31-03:00

Francisco Bitar (Santa Fe, 1981) ha incursionado en la poesía, la crónica, la novela y el ensayo y podría decirse que su proyecto literario viene apostando, de un modo singular, por una progresiva desestabilización de las fronteras y convenciones genéricas. Bitar construye artefactos anómalos, levemente corridos del eje de los géneros, en los que moviliza una serie de operaciones tanto transmediales como transtextuales que el presente trabajo buscará problematizar. La trama experimental que insinúa el pasaje por esos territorios intermedios, en los que una figura central es la del montajista que compone y dispone en un nueva superficie diversos materiales y registros (voces amigas grabadas con el celular, tweets y fotos publicadas en redes sociales, capturas o dibujos que ingresan al libro desde el ámbito íntimo o doméstico del escritor, o fragmentos testimoniales compilados en un libro de corte académico), le permite a Bitar reflexionar sobre soportes, temporalidades y modalidades de inscripción y circulación, para volver sin ingenuidad sobre ciertos motivos vanguardistas: la relación entre arte y vida, entre literatura y experiencia, entre arte y mundo material, en discusión con formas, debates y dispositivos heredados.

La tipografía como espacio de cruce intermedial

2023-12-07T11:01:36-03:00

La pregunta sobre el lugar de la tipografía en nuestras prácticas de escritura exige la consideración de un conjunto notable de afueras del texto. En principio es una forma, pero su función no se reduce a permitir la transferencia de significados por medio de marcas sobre una superficie material. “Los maestros tipógrafos”, de Mario Ortiz, y La nueva tipografía, de Jan Tschichold, despliegan un enfoque múltiple: histórico, estético, mítico… Su recorrido permite repensar los modos en que el diseño de las grafías participa de las significaciones que constituyen cada época. Invitan a reflexionar sobre un problema que cruza medios y está en la base de nuestras culturas.

“Es un archivo que está vivo, que está en movimiento y que está totalmente activo. Y eso me encanta.”

2023-11-07T11:32:05-03:00

Presentación Nro. 17

2023-11-07T11:23:28-03:00